"Divide and Alter" by Susan Logoreci, 2011. Courtesy the artist

Prendete il sogno espressionista della città di “Metropolis”, il capolavoro di Fritz Lang del 1927. La città che sale, corre, travolge i suoi abitanti. Non si può che sentirne lo spirito, guardando le opere di “CITIES: visionary places”, l’esposizione collettiva del Torrance Art Museum (TAM), California. Utopia e distopia si rincorrono e si mescolano nel celebrare l’immaginario metropolitano.

I luoghi visionari di CITIES sono spaccati di vita, scorci di memorie e di punti di vista differenti, sono sfide e sofferenze del nostro quotidiano nella città. Quello che ci salva, in questa nostra routinaria immersione nel caos metropolitano sono le idee, che si trasformano in palpabile energia vitale.

Ed ecco che al mescolarsi di questa energia, dalla città scaturisce l’arte, la creatività, l’apertura, la condivisione. Questo è il motore che infonde la vita nei luoghi: le emozioni scorrono per le strade, nei cantieri, nelle fabbriche, sui ponti e negli scorci segreti, reinterpretati e rivelati al pubblico.

"Block of Flat" 360° by Isidro Ramirez. Courtesy the artist and the Troika Gallery

L’osservatore resta frastornato dalle sovrapposizioni, dalle luci della città, dalle contaminazioni. Il fascino dei non-luoghi, dei colori e delle complessità architettoniche, come Madeleine visive di Proust, lasciano scorrere vecchi ricordi nella mente e ne fanno scaturire di nuovi.

I paesaggi urbani sono colti nella loro dimensione percettiva: tutto è dinamico, tutto si muove. Il senso di estraneamento e di alienazione tipico della vita metropolitana viene ricamato nella trama delle opere esposte, dove idiosincrasie seducenti cristallizzano il quotidiano. Come se l’osservatore stesso fosse parte di un enorme scenario metropolitano polimorfico, in costante trasformazione.

"In a Station of the Metro" by Shaun Gladwell, 2006. Courtesy the artist

L’esposizione “CITIES: visionary places” è curata dall’italiana Camilla Boemio. Sarà possibile visitare la mostra fino al 5 novembre 2011 presso il TAM, a Torrance (California).

Sono presenti opere di: Brian Cooper, Shaun Gladwell, Dmitry Gutov, Kiel Johnson, Jeremy Kidd, Aitor Lajarin, Susan Logoreci, Johanna Laitanen, Damir Ocko, Isidro Ramirez, Spencer Tunick, Klaus Thymann, Michael Wolf.

In collaborazione con le gallerie: Nina Lumer (Milano), Galleria Tiziana di Caro (Salerno), Robert Koch Gallery (San Francisco).

Season Opening exhibition: ” The Unseen: Blood Sabbath”, curata da Adela Leibowitz.

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"Coppia con la testa piena di nuvole", 1937, olio su legno

Dopo un’assenza di più di cinquant’anni, l’arte del più celebre tra i surrealisti torna a Milano, a Palazzo reale. Con questa nuova esposizione, “Il sogno si avvicina”, curata da Vincenzo Trione,  si vuole far scoprire il rapporto dell’artista con la natura, l’immaginario e il desiderio.

“Abbiamo di nuovo bisogno di Dalí per evadere da una condizione spesso noiosa, prevedibile. E questa esposizione ci serve proprio per fare una breccia nel conformismo culturale e trasmettere così tutto il potere della creatività. – spiega l’assessore alla Cultura del Comune di Milano Massimiliano Finazzer Flory – Perché il sogno è dentro di noi ed è una delle forme della realtà e del desiderio che l’arte racconta e attraverso le quali l’arte si racconta. Dalí a Milano è la cifra della creatività al potere o meglio del potere della creatività. Una relazione imperdibile”.

L’allestimento è stato realizzato dall’architetto Oscar Tusquets Blanca, amico e collaboratore di Salvador Dalí. Il percorso della mostra vuole guidare il visitatore dal caos dell’inconscio al silenzio, in un viaggio suddiviso in quattro sezioni e che raccontano il legame dell’artista con la natura, la storia, il sogno.

Sezione 1 – “Paesaggi storici: guardare dietro di sé e intorno a sé”

La prima stanza cui il visitatore accede è dedicata alla memoria. Qui viene illustrato il rapporto di Dalì con il passato: le opere sono ispirate ai grandi maestri della tradizione, e hanno come soggetti la natura e il mito. Segue la stanza del male, dove viene presentato il rapporto dell’artista con la contemporaneità: qui viene illustrato il tema della guerra.

Opere esposte:

• Venere di Milo con tiretti, scultura, 1936-1964
• Dematerializzazione del naso di Nerone, 1947
• Apparizione dell’Afrodite di Cnido, 1981
• La mano di Dalì toglie il vello d’oro a forma di nuvola per mostrare per mostrare a Gala l’aurora dorata, completamente nuda, lontanissima dietro il sole, (omaggio a Claude Lorrain), 1977
• Eco geologico- La Pietà, 1982
• Dietro la finestra, sulla sinistra, da dove esce un cucchiaio, Vélazquez agonizzante, 1982
• L’infanta Margherita di Velàzquez nel cortile dell’Escorial, 1982
• Studio per Atavismo del crepuscolo, 1933-34
• Aurora, mezzogiorno, tramonto e crepuscolo, 1979
• Il grande paranoico,  1936
• Spagna, 1938
• Scena in un caffè, disegno per il film Moontide, 1941
• Volto della guerra, 1940/41
• Impressioni d’Africa, 1938
• Idillio atomico e uranico melanconico, 1945

Sezione 2 - “Paesaggi autobiografici: guardare dentro di sé”

Nella stanza dell’immaginario sono presenti le opere più legate al periodo surrealista, in cui l’artista approfondisce le tematiche legate all’inconscio, all’introspezione e alla ricerca di sé. Nella successiva stanza dei desideri è stata ricostruita la celebre “Sala Mae West”, ispirata al volto dell’icona sexy degli anni ’30, che Dalì realizzò con Tusquets Blanca all’interno del Museo Figueres.

Opere esposte:

• Port D’Alguer, Cadaqués, 1918/19
• Le tre età, 1940
• Il giardino delle ore, 1981
• Alla ricerca della quarta dimensione, 1979
• Ritratto di Katharine Cornell
• Il portico, serie La vita è sogno, 1971
• Dalí galleggiando su Port Lligat, 1975
• Dalilips, 1975
• Sala Mae West, 1975
• Progetto sala Mae West, 1975-1976
• Viso di Mae West utilizzabile come appartamento, 1934 circa
• Dalí con Tusquets e collaboratori al lavoro sul prototipo del Saliva sofà,1972

Sezione 3 – “Paesaggi dell’assenza: guardare oltre di sé”

Nella stanza del silenzio lo spettatore assiste alla scomparsa  della rappresentazione della persona umana e al trionfo del paesaggio. Questa fase dell’arte di Dalì è emblematizzata  nel “Cammino dell’enigma”. La stanza del vuoto è il punto di arrivo dove la pittura di caos si trasforma in pittura del silenzio. Il lungo cammino artistico passa da scenari di desolanti inquietudini all’astrazione, come testimonia l’ultimo olio dipinto prima della morte, nel 1983, “Il  rapimento di Europa”: un monocromo azzurro, lacerato.

Opere esposte:

• Crocifisso, 1954
• Labirinto, 1942
• I tre gloriosi enigmi di Gala
• Enigma (versione incompiuta de “I tre gloriosi enigmi di Gala”), 1982
• Il cammino dell’enigma, (prima versione), 1981
• Il cammino dell’enigma, (seconda versione), 1981
• Tavola solare, 1936
• Paessaggio con fanciulla che salta la corda, 1936
• Coppia con la testa piena di nuvole, 1937
• Donna che dorme in un paesaggio, 1931
• Sulla riva del mare, 1931
• Mostro bianco in un paesaggio angelico, 1977
• Due pezzi di pane esprimono il sentimento dell’amore, 1940
• Ratto topologico d’Europa – Omaggio a René Thom, 1983

Sezione 4 – “Epilogo”

La sezione conclusiva documenta il rapporto tra Dalí e Walt Disney. Quadri che rivelano richiami classici, memorie rinascimentali, atmosfere metafisiche e iconicità pop.

Opere esposte:

• Grande testa di dio greco, 1946
• Mani palmate, 1946
• Destino Cocktail party, 1946
• Telefono bianco e rovine, 1946
• Piccolo uomo, mura in rovina e grande telefono
• Disegni per il film Destino
• Campanile, campana, fanciulla che salta la corda, grande figura maschile e orologio
• Struttura triangolare con fontana riflettente
• Anfiteatro rosa con due alberi e uomini
• Torso-edificio su scacchiera
• Pianura con palla al centro e montagna sullo sfondo

“Il sogno si avvicina” – Salvador Dalì

Milano, Palazzo Reale – Sala delle Cariatidi

Mostra aperta fino  al 30 gennaio 2011

Orari di visita
Lun ore 14.30-19.30
Mart, Merc e Ven ore 9.30-19.30
Giov ore 9.30-23.30
Sab e Dom ore 9.30-22.30

Biglietti
intero: euro 9,00
ridotto: euro 7,50
ridotto speciale: euro 4,50

Chissà come reagirà il presidente del Consiglio Silvio Berlusconi alla vista dell’opera dell’artista kosovaro Sislej Xhafa in mostra al Roda Sten di Goteborg, in Svezia, fino al 18 aprile 2010? L’opera in questione è un busto alto cinque metri e mezzo e largo otto, denominato Silvio, che raffigura Berlusconi nelle sembianze di una divinità, un Buddha pensante dallo sguardo accigliato e terribile. Fatto interamente di sabbia, la statua rimanda un’immagine alquanto inquietante del nostro Premier.

L’artista, ora residente a New York ha soggiornato nel nostro Paese rimanendo colpito dalla xenofobia crescente e dalle difficoltà affrontante quotidianamente dagli immigrati. E questo ha generato la sua impressione sulla situazione politica e sociale dell’Italia, trasposta poi in questa opera imponente e sinistra.

Sislej Xhafa è conosciuto per le sue creazioni sempre provocatorie e sovversive che indagano la complessità della società moderna nell’ambito sociale, economico e politico. Con la mostra personale ‘2705 baci’ (“Ogni bacio corrisponde ad un giorno di governo Berlusconi” ha dichiarato) Xhafa vuole trasmettere il suo pensiero su quella che è ormai la situazione italiana, un paese soggiogato dal proprio Presidente del Consiglio.

“Nel concepire una figura monumentale di Silvio Berlusconi – ha spiegato Sislej Xhafa – la mia immaginazione è stata sequestrata dalla potenza del deserto e dalla bellezza della sabbia. Vi presento quindi un “Silvio” gigante, con un senso del sublime, di fantasia e poesia, rinforzando la dimensione dello spettatore e dell’artista nei confronti del potere politico.” Il visitatore si trova così, piccolo ed indifeso, al cospetto di un potere politico assoggettante ed imperioso che ha, suo malgrado, alimentato e fatto crescere.

2705 baci… include anche le opere Again and Again (2000), Beh-rang (2004), Future of Old (2001), Silvio (2010), Skinheads Swimming (2002) e Volare (1999).

Chi ha più di vent’anni ricorderà forse, come la sottoscritta, un formidabile compagno di svago della propria infanzia: il “Corriere dei Piccoli”, pubblicato fino al 1995. Con lui ho scoperto il fumetto e non l’ho più abbandonato: Cocco Bill di Jacovitti, la Stefi di Grazia Nidasio, la Pimpa di Altan e tanti, tanti altri. Pagine lette e rilette, numeri conservati e storie imparate a memoria. Fumetti intelligenti, educativi, divertenti. Non so se oggi vi sia in giro qualcosa di simile, ma ne dubito. E non lo dico perché faccio parte della schiera di quelli che “una volta era tutto meglio”, ma perché il Corriere dei Piccoli è inimitabile e, soprattutto, inarrivabile. Lo dico senza timore di smentite, e chi vuole provarci si faccia sotto.
Dal 22 gennaio alla Rotonda di via Besana a Milano la mostra “Corriere dei Piccoli: storie, fumetto e illustrazione per ragazzi” celebrerà il centenario della nascita del settimanale. L’esposizione ci accompagna in una passeggiata tra i personaggi che hanno fatto la storia del Corriere dei Piccoli, da Bilbolbul al Signor Bonaventura al grande Corto Maltese.
La mostra, curata da Giovanna Ginex, ha anche un catalogo edito da Skirà.

Il 4 novembre scorso alla Gnam (Galleria nazionale d’arte moderna) di Roma è stato presentato il libro Esperienza e conoscenza del museo: indagine sui visitatori della galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea, a cura di Maria Mercede Ligozzi e Stefano Mastandrea, edito da Electa. Il volume presenta i risultati di una ricerca svolta dalla Soprintendenza alla Galleria Nazionale d’arte moderna e contemporanea da agosto 2006 a settembre 2007 (in collaborazione con la cattedra di Psicologia generale presso la facoltà di scienze della formazione di Roma Tre e l’ufficio di statistica del ministero dei beni e delle attività culturali) sui visitatori del museo e sugli spettatori della mostra “Il Simbolismo. Da Moreau a Gauguin a Klimt”. L’indagine mirava non solo a conoscere il profilo socio-demografico dei visitatori, ma anche a misurarne l’indice di gradimento in relazione alle varie esposizioni.

2603 i questionari sottoposti a visitatori italiani e stranieri. Un profilo del pubblico è stato tracciato anche attraverso osservazione e interviste: oltre che sui dati socio-demografici, le domande vertevano anche sulla qualità dell’esperienza museale (gradimento degli allestimenti, frequenza delle visite alla Galleria, motivo delle visite, percezione del bello). In una delle interviste un visitatore afferma: “Il museo è un’isola dove ci si ritrova, dove si riflette sul passato e si immagina il futuro, ma è anche un’isola dove ci si perde…”. Come scrivono gli autori Ligozzi e Mastandrea, due sono gli orientamenti del pubblico: per alcuni il museo è puramente “luogo di conservazione ed esposizione”, per altri è “centro vitale di confronti e di scambi sociali intensi”.

Ma, tirando le somme, chi sono i frequentatori della Galleria nazionale? Si tratta di un pubblico soprattutto giovane e femminile, laureato e abituato a frequentare musei. Alta la percentuale di stranieri (40%) rispetto agli italiani (60%). Il pubblico è habitué dei musei (più di dieci visite l’anno), preferisce l’arte figurativa e la spinta che lo guida è la voglia di imparare.

Molte sarebbero ancora le considerazioni da fare. Io non posso dilungarmi, anche se vorrei raccontarvi l’approccio dei visitatori alla collezione permanente della Galleria e alla mostra sul Simbolismo, il tempo trascorso davanti a ogni singola opera e quello passato nelle varie sezioni, il rapporto tra giovani e museo. Scrive Stefano Mastandrea che al visitatore della Galleria nazionale d’arte moderna piace imparare ammirando. Suona benissimo. E siccome di imparare (e anche di ammirare), per fortuna, non si finisce mai, vi consiglio di approfondire l’argomento. Il libro Esperienza e conoscenza del museo: indagine sui visitatori della galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea è consultabile presso la biblioteca della Galleria.

(Ringrazio per il materiale la dott.ssa Carla Michelli dell’ufficio stampa della Gnam).